Momento Sónico

Us: banda sonora para el quiebre de una relación

2009-02-13T11:01:00.002-03:00

Tras su salida de Genesis en 1976, el británico Peter Gabriel inició una prolífica carrera solista marcada por las temáticas sociales y, en lo musical, progresivamente marcada por las influencias étnicas (especialmente africanas) en un concepto que el artista acuñó como la “world music”. El punto más alto de esta tendencia lo marcó su producción SO (1986), tras lo cual se embarcó en una gira mundial con Amnesty International a favor de los derechos humanos, donde participaron músicos como Sting, Bruce Springsteen o Tracy Chapman, entre otros.
Debido a la dictadura de Pinochet, esta gira no pudo presentarse en Chile. Tras el retorno a la democracia en 1990, Amnesty organizó un concierto especial de dos días en Santiago, donde Peter Gabriel volvió a presentarse con Sting y, además, conoció a una joven irlandesa llamada Sinead O’Connor. Un entonces famosísimo quinteto New Kids On the Block dio la nota adolescente a la primera jornada.
En 1992 Peter Gabriel lanza el álbum más personal de su carrera, marcado por el profundo dolor de su divorcio. Al contrario de su trayectoria previa, US prácticamente abandona lo político-sociales y se centra en las relaciones humanas, en los afectos, en la decepción, en el abandono. Al escuchar cada canción es posible ir develando las distintas fases que puede ir experimentando un ser humano al enfrentar el doloroso quiebre de una relación. Al respecto, nada más claro que el inicio del álbum: “ven y háblame”, Come to Talk to Me (una colaboración con Sinead O’Connor, con quien había interpretado una sentida Don’t Give Up en Amnesty-Santiago)
En Washing of the Water (con un inicio melódico impresionantemente parecido a la canción “Gana la gente”, tema de la Concertación para las campañas presidenciales en Chile a fines de 1989), Gabriel manifiesta su necesidad de ser expiado, liberado, de salir un sufrimiento insoportable. Con ritmo pausado, es uno de los momentos más hermosos y profundos del LP, en particular con la frase final "to take this pain away".

No obstante, la siguiente canción -Digging in the Dirt- es una violenta expresión de rabia, en enfado, casi como una furiosa venganza… “Shut your mouth, just drive the car” dice antes dejarse caer en los tristes versos donde hace referencia a escarbar en la tierra, en la suciedad, en el dolor.
Love to be Loved es otro profundo análisis sobre las relaciones humanas, sobre lo ambiguo del amor en pareja cuando se conjuga la nobleza de dar con el interés egoísta en recibir. La siguiente canción, Blood of Eden (otra colaboración con la O’Connor) está en la misma línea purificadora Washing of the Water.
Fourteen Black Paintings constituye un llamado a la espiritualidad. Casi instrumental con una breve letanía hacia el final, el tema se nutre de las influencias norafricanas. Según relata el mismo Peter Gabriel, esta canción la compuso después de haber visitado una pequeña capilla en el desierto del oeste norteamericano, donde una serie de pinturas y la soledad del lugar le hicieron experimentar un misticismo único.
US concluye con la hermosa Secret World (que dio el nombre a la gira mundial para este disco), que pareciera casi flotar de la mano del bajo de Tony Levin.
Un dato para terminar: el CD viene acompañado con una serie de muestras gráficas de gran valor. Dado a las artes interdisciplinarias, Peter Gabriel hizo escuchar a diferentes artistas en el mundo las canciones de esta producción, y la interpretación visual que dieron a cada tema es lo que acompaña el disco.
El 24 de marzo Peter Gabriel toca otra vez en Santiago. Allí estaremos nuevamente.

Muere Richard Wright, tecladista de Pink Floyd

2008-09-16T09:03:00.003-04:00

Richard Wright, teclista y uno de los cuatro músicos fundadores del legendario grupo británico Pink Floyd, falleció ayer a los 65 años a consecuencia de un cáncer en su casa de Gran Bretaña. "La familia de Richard Wright, miembro fundador de Pink Floyd, anuncia con gran tristeza que Richard falleció hoy (por ayer) después de una corta lucha contra el cáncer", comunicó ayer un portavoz del músico desaparecido. "La familia ha pedido que su privacidad sea respetada en este difícil momento". Wright, junto al guitarrista y vocalista Syd Barrett, el bajista Roger Waters y el batería Nick Mason, dieron a luz al grupo Pink Floyd, en el que el órgano de Wright se convirtió en una de las referencias sonoras en el álbum de debut de la formación, el mítico y marcadamente psicodélico The piper at the gates of dawn.

De hecho, Wright se había matriculado a los 17 años en la Regent Street School of Architecture, donde conoció a Mason y Waters. Rápidamente formaron un grupo y a los seis meses se incorporó Syd Barrett que determinó el estilo innovador de los futuros Pink Floyd. Tras la marcha, pocos años después del arranque del grupo, de Barrett -genial compositor e intérprete-, motivada por sus trastornos mentales y su dependencia de las drogas, y su sustitución por David Gilmour, las responsabilidades musicales de Wright aumentaron significativamente. En los créditos del segundo elepé de la banda, A saucerful of secrets,s u nombre aparece en dos cortes como cantante y compositor. Entre las obras más destacadas de su silenciosa carrera en Pink Floyd destaca su vis como coautor de Summer´68, considerada unánimemente como la cumbre de Atom heart mother (para los aficionados, "el de las vacas") y de dos de los temas más impresionantes de The dark side of the moon, léase Us & them y The great gig in the sky.

Autodidacta pianista, su conversión en multiteclista (sintetizadores, secuenciadores...) devinieron en pilar del sonido del grupo. El prestigioso crítico estadounidense David Fricke recordaba hace un año en The New York Times que "Rick Wright compuso la figura pianística que aparece en el núcleo de esta canción [ Us & them]durante las sesiones de grabación de la película Zabriskie point,de Michelangelo Antonioni. Éste finalmente lo rechazó, lo que permitió a Wright recuperar el tema y convertirlo en una de las cumbres de The dark side...".

El músico británico (nacido en Londres el 28 de julio de 1943 en el seno de una acomodada familia) permaneció como miembro de pleno derecho del histórico cuarteto -considerado una de las bandas precursoras de la música psicodélica de los años 60 y 70-hasta que una serie de desencuentros y abiertas disputas con Roger Waters precipitaron su abrupta salida en 1979, justo después de la publicación del conceptual The wall. Esta ruidosa expulsión, de hecho, comenzó a larvarse en el momento en que Pink Floyd comenzó a abandonar su condición de reverenciado grupo que elaboraba hermosa y rupturista (para la época) música experimental para acabar convirtiéndose en una banda de éxito planetario. Saltar de una posición cercana al underground a llenar grandes aforos y vender millones de discos (sobre todo a partir de 1973, cuando dejaron boquiabierta a una audiencia no sólo especializada con una obra aún experimental como The dark side of the moon),hizo estallar los egos flotantes en el interior del combo. Una situación que había comenzado antes, con la comentada sustitución de Barrett por Gilmour, la asunción de éste de un protagonismo interpretativo y de imagen que molestó irremediablemente a Roger Waters, y el distancimiento entre este último -el verdadero genio musical de la banda-y sus compañeros.

La marcha del teclista no fue completa puesto que Waters -devenido en juez y señor de los designios de una de las formaciones más rentables del planeta-lo contrató como músico asalariado durante la gira que siguió a la aparición del comentado The wall. El culebrón siguió hasta hacerse insostenible: cuando la continuidad del grupo era inviable, Waters presentó una demanda judicial con Gilmour, Mason y Wright para evitar que éstos empleasen canciones, logotipos e imagen que hiciesen referencia a la marca Pink Floyd. Perdió. Eso permitió que Gilmour y Mason recuperaran el grupo y llamaran al teclista en 1987 para la grabación de A momentary lapse of reason. Aún tendrían que transcurrir siete años para que se convirtiera nuevamente en miembro de pleno derecho, ya instalado en la elaboración de The division bell, el último disco de Pink Floyd.

Asimismo, en su currículo aparecen dos obras en solitario, Wet dream (1978) y Broken China (1996). Ya en épocas mucho más recientes, Wright también se sumó a la excepcional reunificación londinense de toda la banda con motivo del macroconcierto Live 8 en 2005, y este mismo año se ha sumado a la gira en solitario de su ex compañero y amigo David Gilmour.

Ey!: maldito y sofisticado

2008-05-03T11:12:00.011-04:00

Algo pasa en la cultura musical argentina que le cuesta aceptar su identidad latino- americana. La música de este país está repleta de alter egos de otros notables provenientes de los horizontes anglófonos. Sandro es el Elvis argentino; Serú Girán eran los Beatles argentinos; Spinetta es el Bob Dylan; los Ratones Paranoicos son los Stones argentinos (literalmente, una copia), y la lista puede seguir…
Voy a cooperar con un aporte: Fito Páez es el Elton John argentino. En su primera etapa inspirado, creativo, buscador, provocador y hasta maldito. En los últimos años, complaciente, rostro del establishment y bastante mamón.
Ey! (1988) es un disco realmente maravilloso que, por cierto, debemos ubicarlo en su etapa destacable.
Ya se ha contado bastante la historia de las abuelas de Páez que fueron asesinadas en Rosario. La rabia y el dolor de este hecho dieron origen al furioso Ciudad de Pobres Corazones. Aún agustiado con este dolor (y otros más), un año después el autor lanzó Ey!, grabado entre New York y La Habana.
El hombre ha tocado fondo y eso se percibe transversalmente en la obra. El disco es oscuro –muy oscuro- y lleno de amargura. El primer verso de “No más. Por hoy. De verdad.” en la canción Lejos de Berlín da cuenta del escapista estado de ánimo que mueve a esta producción.
En todo caso, la sola presencia de una canción majestuosa y extraordinaria como Tatuaje falso deja en claro que esta obra vuela alto, pero que sabe manejar matices de distinta índole: medio-kinky (Alacrán (Resaca)), medio-gay (Sólo los chicos) y medio-surrealista (Polaroid de locura ordinaria).
Son en total nueve canciones que dan como resultado un disco redondo, perfecto y –paradójicamente a lo planteado- muy iluminado, lleno de búsquedas musicales que vienen del rock (Canción de amor mientras tanto), pero que van mucho, mucho más allá (Por siete vidas (Cacería)).
Mi favorita: Dame un talismán.

Amused To Death: rendirse a la evidencia

2008-01-27T20:17:00.000-03:00

Las experien- cias de Roger Waters tras dejar Pink Floyd no fueron las más afortu- nadas. The Pros and Cons of Hitchhiking (1984) fue su primer intento. El concepto para este álbum había sido desechado por sus ex compañeros Gilmour, Wright y Mason, quienes cinco años antes optaron por realizar The Wall. La idea siguió rondando la mente de Waters y, con la ayuda de Eric Clapton y Andy Newmark, la materializó con una fuerte orientación al blues y copiando algunos riffs de In the flesh, con resultados irregulares aunque no del todo malos.
Su siguiente aventura fue Radio K.A.O.S. (1987), un bizarro experimento de carga new wave que fue un completo fracaso tanto en lo económico como en lo musical. El mismo Waters ha reconocido que mascaba su rabia al presentarse en teatros semivacíos durante esta gira mientras sus ex colegas llenaban mega estadios durante el tour de A Momentary Lapse of Reason.
Aprovechando la coyuntura política tras la caída del muro de Berlín, Waters pensó en hacer algo de ruido –y de rescatar parte de su decadente carrera- montando The Wall in Berlín (1990), espectáculo con el que seguramente ganó varios millones, logró aparecer en la prensa mundial, pero que resultó todo un fiasco del punto de vista estético y creativo.
Tras casi diez años tratando de dar con una nueva identidad musical, Roger Waters debe reconocer que la marca (ni el concepto, ni el alma, etc. etc.) Pink Floyd no se la puede sacar de encima.
En 1992 lanza su producción Amused To Death, con la comentada portada del chimpancé viendo TV. ¿De qué se trata este álbum? Una producción conceptual de principio a fin marcada por la angustia social (la postguerra, las matanzas en Tiananmen) y clásicas obsesiones de Waters (el abandono, la soledad, el mítico regreso al hogar, etc).
Con la voz indudablemente más gastada, el disco se desarrolla como una interpretación contemporánea al estilo The Wall o The Final Cut.
Con la ayuda del productor Patrick Leonard (quien también ha colaborado con el Pink Floyd-Gilmour y con Madonna), Waters construye un álbum muy sólido y coherente, con un sonido -no podía ser de otra manera- floydiano.
Algunos casos se dan con la repetición de especies de letanías en distintas claves y canciones. Por ejemplo: What God Wants, part I; What God Wants, part II; What God Wants, part III… Late Home Tonight, part I; Late Home Tonight, part II… Perfect Sense, part I; Perfect Sense, part II…Si esto no es fórmula recurrente del estilo Floyd, no sé que puede ser
Quisiera mencionar un caso especial. ¡Qué parecida es en la base rítmica y de acordes de Three Wishes con High Hopes (The Division Bell, Pink Floyd, 1993)!. ¿Espionaje? Es difícil saberlo. El hecho de que el disco de los otros Floyd hubiera aparecido un año después no significa que las canciones no hayan estado compuestas...
Para concluir, talvez el reconocimiento más explicito del regreso de Waters a las fuentes floydianas lo constituye What God Wants, part III, que comienza con un eco de sonar copiado al pelo de Echoes (Meddle, 1971), y posteriormente despacha un solo muy (pero muy-muy) a lo Gilmour en Confortably Numb. Como no lo tiene a él, el veterano Jeff Beck hace su aporte con la guitarra.
No se crea que estoy menoscabando a este disco. Para nada. Simplemente, estamos haciendo un reconocimiento de que el viejo y querido Roger orientó bien las ideas hacia lo qué él sabe hacer. Después de esta producción no ha sido muy generoso Waters en cuanto a producciones. Ha sacado algunas recopilaciones, sacó una opera (Ça Ira) y recientemente se ha dedicado a recorrer el mundo recreando The Dark Side Of The Moon (ya lo he visto dos veces en Santiago). Pero discos de los que queremos oírle, nada de nada.

Eat Me, Drink Me: si los aviones caen…

2007-12-29T21:25:00.000-03:00

Siempre he planteado que a los buenos álbumes cuesta digerirlos a la primera escucha. Cuando por primera vez lo oyes, no lo entiendes, no distingues las melodías, no sabes dónde están los acentos, etc. etc. Pero tras insistir y repetir, hay un momento en que mágicamente se abren las texturas, los acordes, las armonías o –mejor aún- muy pequeños instantes resplandecientes justo en el medio o hacia el final de una canción.
Eat Me, Drink Me es el álbum 2007 de la banda Marilyn Manson (MM).
¿Banda? Creo que no es correcto llamarla así. Tras el glorioso momento que significó la producción Holy Wood (ya comentada en este espacio), salió del conjunto el histórico bajista y compositor (y a ratos, guitarrista) Twiggy Ramírez, verdadero cerebro y alma musical de MM. Hoy, bajo su verdadero nombre –Jeordie White- toca el bajo para Nine Inch Nails, entre otros proyectos. Fue reemplazado por el multi-instrumentista sueco Tim Skold, quien realizó varias labores de producción para el siguiente trabajo, The Golden Age of Grotesque.
Tras este último álbum se produjo una verdadera estampida en el grupo tras la salida del guitarrista John 5 (probablemente, uno de los más grandes intérpretes de la guitarra en la actualidad a nivel global) y del largo tiempo tecladista y compositor, M.W. Gacy.
La separación de personas también afectaba al mismo tiempo al propio Brian Warner (verdadero nombre de Manson), quien escandalosamente se divorciaba de la artista alemana Dita Von Teese, con quien se había casado en una extraña ceremonia oficiada por mi compatriota Alejandro Jodorowsky. El hombre había tocado fondo, y de hecho en los créditos de Eat Me, Drink Me reconoce que se encontró “al final del abismo”.
Para este álbum la totalidad de las canciones fueron compuestas por Tim Skold, quien además tocó las guitarras, bajos, teclados, y realizó las programaciones y la producción general. Warner puso las voces incorporando algunas letras y melodías. Un dato curioso: Ginger Fish, quien aún se mantiene como baterista de la banda, fue excluido de los créditos.
En resumen, este disco debiera haberse llamado algo así como Tim Skold featuring Marilyn Manson, porque el grupo como tal ya no existe. Pero el poder de la marca es vendedor y ya sabemos cómo son estas cosas cuando de dinero se trata.
Vamos al álbum.
Si bien tiene algunas ideas interesantes, pensamos que está más lleno de dudas que de aciertos. Muy multi-instrumentista será Skold pero, definitivamente, no toca bien la guitarra (algo más que fundamental para hacer rock). Algunos riffs sino son ingenuos, al menos son penosos. Dos casos: la sección final de Putting Holes in Happiness o el solo de The Red Carpet Grave parecen obra de Richie Sambora (con las disculpas para éste último...).
Hace unos días vi en Youtube cómo la formación 2007 de MM interpretaba la antigua The Fight Song y casi daba pena ver cómo Tim Skold hacía las guitarras que en su versión original marcaban tan fuertemente los ritmos de rock industrial.
Al principio de esta crónica planteaba que a los buenos álbumes cuesta asimilarlos. Me ha costado escuchar esta producción y, por momentos, he pensado que podría llegar a descubrir un álbum maravilloso. Pero eso no se ha producido. Para hacerme una idea más general, he vuelto a escuchar los predecesores Holy Wood y The Golden Age of Grotesque, y sencillamente Eat Me, Drink Me es mucho más débil.
Seamos honestos, el disco tampoco es un desastre. De hecho, genera algunos momentos interesantes, especialmente cuando se acerca hacia el blues, como en Just a Car Crash Way, una desgarradora melodía (donde nuevamente sobra el solo) o en la pausada apertura que nos entrega If I Was Your Vampire.
También quisiera destacar la canción You and Me and The Devil Makes 3, que se acerca a la tradición sonora de MM, o la “orejera” Heart-Shaped Glasses (principal single del CD).
Para terminar, el álbum tiene un bonus track de este single, en versión “punchi punchi” remezclada por Jade Puget, la cual francamente no aporta nada y, más bien, quita. Una muestra más de los errores que se dejaron pasar en Eat Me, Drink Me y que marcan un paso en falso en la carrera de Marilyn Manson, lo cual que confirma que si los aviones pueden caerse, las mega estrellas estrellas del rock también pueden hacerlo.

Departamentos Vacíos: la gran excusa de Heyne

2007-08-21T07:51:00.000-04:00

Departa- mentos Vacíos corres- ponde a la banda sonora de la prescin- dible película Se Arrienda, del cinéfilo y meló- mano escritor reconver- tido en cineasta, Alberto Fuguet. Del filme no vamos a hablar.
Como suele pasar en producciones de este tipo, no es raro que la producción musical sea más interesante que la obra que le dio excusa para existir. Éste es uno de esos casos.
El hombre-banda de Shogún, Cristián Heyne ya había probado suerte como film music producer en Los Debutantes, saliendo victorioso del desafío. Departamentos Vacíos (supuesto nombre de la música grabada por el protagonista de Se Arrienda) es la continuación lógica de este acierto.
Con una equilibrada combinación de temas propios (algunos en solitario, otros en formato Shogún) más un conjunto de otros intérpretes, Heyne lograr armar un álbum más que consistente, lleno de matices, contrastes y, sobre todo, buenas canciones.
Se parte con Encontrar, del ingeniero reciclado como ejecutivo radial y comentarista musical, Andrés Valdivia. Tema bonito, sencillo, orejero.
La segunda es Celda, de Heyne, verdadera reinterpretación chilensis de Something I Can Never Have, de Nine Inch Nails.
Nicole está más que precisa con No me confundas (buena base rítmica, buena guitarra, muy buen desempeño vocal), el cual es seguido de la oscura El fin de la fiesta (nuevamente Heyne), ideal para momentos de contraste y tensión (pero no tanta).
Uno de los momentos más altos es el que consigue la notable cantautora Javiera Mena con Cámara lenta. Favor poner atención: Javiera Mena es estupenda, sensible, y posee una voz envolvente que si te pilla mal parado, no te suelta. Simplemente notable.
La transformación (de Shogún) marca un quiebre electrónico instrumental que vale la pena ser escuchado más de una vez (¡qué buenas las texturas!), para luego dar paso a un alegre experimento: Wasabi. Interpretada por la juvenil ex Supernova, Elisa Montes, es una canción compuesta por ella misma más Fuguet y Heyne, donde en clave divertimento dance se refiere (¿se refiere a algo?) a la cultura sushi de desecho. Sin duda, otro de los momentos geniales del disco.
La muerte, de Shogún, es otro instrumental que aporta lo suyo antes de oírse el bolero Sufrir (por Daniel Castro, en base a una tradicional de Francisco Flores del Campo, el de la.. ¡Pérgola de la Flores!), a mi gusto, prescindible y fuera de contexto.
El centro del centro es otra instrumental de Heyne, esta vez en clave guitarra, donde demuestra que más allá de la parafernalia industrial, también puede jugar el músico.
La continuación es otra instrumental –La corrida final-, esta vez de Valdivia, de nivel similar a la anterior, para concluir –otra vez Valdivia- con la acústica Emerger. Debemos decir que éste es el verdadero fin del álbum.
Lamentablemente -y no sabemos por qué, ¡¡tal vez por presiones de algún productor ávido de dinero!!- se adicionaron dos canciones de Soda Stéreo: Trátame suavemente y Telekinesis. No tengo nada contra los Soda, todo lo contrario, pero fue un error incluir esos temas aquí, nada que ver con el conjunto.
En todo caso, no desmerece la calidad global que ofrece Departamentos Vacíos, un disco de alta factura.

One Hot Minute: Red Hot a lo Jane’s Addiction

2007-08-15T09:57:00.000-04:00

Consumido por las drogas y el alcohol, el virtuoso guitarrista John Frusciante sale de los Red Hot Chili Peppers después del aclamado y multilplatino disco Blood Sugar Sex Magic.
Tras una serie de pasos en falso con una serie de guitarristas, la banda de Antonhy Kiedis (voz), Flea (bajo) y Chad Smith (batería) da finalmente con el ex Jane’s Addiction, Dave Navarro, y graba el extraordinario álbum One Hot Minute, lanzado en 1995.
El acoplamiento entre el guitarrista descendiente inmigrantes españoles y el resto fue instantáneo, provocando la evolución de la banda desde un sonido muy marcado por el funky hacia uno con influencias hard core y sicodélicas.
La producción está llena de canciones fabulosas, partiendo por la notable y bastante ácida Warped, cuyo luminoso, rojo y misógino videoclip concluye con un histórico beso entre Kiedis y Navarro.
La pegajosa Aeroplane es la segunda canción, coro de niños incluidos (no recuerdo qué productor solía afirmar que si se incluía voces infantiles en un tema, el hit era seguro...)
Deep kick le procede (incluyendo los llantos del bebé hijo de Navarro), para cerrar una primera parte con la semiacústica My friends (de extraña letra, estando en la cárcel por estar triste...?).
Con homenaje a Iggy Pop de por medio, Coffee shop es una de las canciones más energéticas y novedosas del CD, recurriendo a las guitarras como bases y a los bajos como solos. Por cierto, gran estribillo.
Continúa Pea, canción interpretada por el nacido en Australia, Michael Peter Balzary, conocido popularmente como Flea. Con sólo un bajo de fondo, la canción es originalmente muy ingenua, para luego rematar con una serie de improperios y palabrotas de bajos recursos, aunque de alta genialidad. One big mob tiene una construcción similar a Coffee shop, aunque hacia la mitad incorpora una sección de lentos que no me satisface del todo. En realidad, nunca me gustó demasiado.
La funky Walkabout abre la segunda mitad de disco, tema no demasiado interesante salvo por los foxtrots que incorpora hacia su final.
Sigue la emotiva (guitarras lentas, letras profundas...) Tearjerker, para luego dar con One Hot Minute: genial, potente, hardcore y sicodélica. Dave Navarro, al final del día.
Falling into grace se enmarca luego en la tradición más funky (y Flea) de la banda para luego dar una Shallow by thy game, en mi muy subjetiva opinión, una de las mejores canciones en la carrera de los RHCP. Y una con energía que no se ahorra nada.
El álbum concluye con un tema muy interesante, Transcending, que es un homenaje al desaparecido actor River Phoenix, quien fuera amigo de Flea. Es ésta, en realidad, una canción hecha de dos canciones. La primera, más lenta, con buenas armonías de bajos y puntas de guitarras. La segunda, un grito primitivo y desgarrador marcado por la furia y la desesperación.
La primera vez que tocaron en vivo los RHCP con Navarro fue para la versión 1994 del festival de Woodstock. Genial presentación, donde aparecieron vestidos de ampolletas gigantes.
Con una buen cuota de humor negro, Navarro solía usar una uñeta donde estaban escritos los nombres de los sietes guitarristas que le habían precedido en RHCP, y donde finalmente se podía apreciar el signo “?”.
Como es sabido, para el siguiente álbum, Californication, Navarro ya no estaba y la banda volvió a reclutar a un recuperado John Frusciante, hecho que marcó un nuevo giro en el grupo y el inicio de una gran consolidación. Fue justamente durante esta gira cuando los vi en vivo en Barcelona, para luego repetirme el plato en Santiago para los conciertos de By The Way.
La pena es que tras el regreso de Frusciante, los RHCP jamás volvieron a tocar canciones de One Hot Minute, hecho que marcó a esta producción como un eslabón perdido en su carrera. Pero vaya qué eslabón.

Wish: el fin de la quinta esencia

2007-08-12T15:29:00.000-04:00

Hacia 1985 The Cure se reconvertía en quinteto y lanzaba The Head on the Door, producción que marcaba una nueva era en la banda que además de los históricos Robert Smith (voz, guitarras, teclados) y Simon Gallup (bajo), consolidaba a Porl Thompson en guitarras (tras un breve paso como hombre del saxo en The Top), relegaba a un oscuro segundo plano en teclados a Lol Tolhurst e incorporaba al talentoso Boris Williams en batería.

The Head on the Door no sólo marcó una época y dejó buenos hits en las radios, fue también la oportunidad de renovar un sonido que ya se volvía opaco y críptico en un Cure dominado por un solitario hombre-banda. De hecho, en The Top, Gallup no había participado, y salvo un baterista contratado (Andy Anderson), todos los instrumentos fueron grabados por Smith, además de la mencionada participación en saxo de Thompson.
A partir de The Head on the Door se consolidó el sonido más clásico de The Cure, que también incluyó los álbumes Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me (1987), Disintegration (1989, ¿el mejor del grupo británico?) y Wish (1993).
Si bien no participó en las grabaciones de Kiss Me... el tecladista Roger O’Donnell sí se integró a la banda durante la gira y la primera vez que apareció en un videoclip fue en Just like heaven. Mientras tanto, consumido por el alcohol, Lawrence Tolhurst (miembro fundador de The Cure, primero como baterista en los años de Boys don’t cry), se sumergía en un doloroso silencio que sellaría su salida de la banda hacia finales de los ’80.
En tanto, poco antes de grabar Wish, por primera vez O’Donnell se retira del grupo, siendo reemplazado por el fan y amigo de la banda, el tecladista y guitarrista ocasional, Perry Bamonte.
Wish no es un disco magistral, aunque el resultado final es de factura bastante aceptable. Además, entrega algunas de las grandes joyas en la historia de las canciones de The Cure, tal como el tema de apertura Open, la monumental From The Edge Of The Deep Green Sea, la melancólica To Wish Impossible Things (¿la más romántica de las canciones del grupo?), o la ácida End, que cierra el álbum (y la era más clásica de los Cure).
Asimismo, el CD tiene algunas otras canciones sino históricas, al menos bastante buenas, tales como Apart, Trust, High y Friday I'm In Love (con los años cada vez me gusta más el bajo de esta canción). Los dos últimos temas, singles radiales, de fuerte coqueteo con el pop.
Tras esta producción la banda se descompuso (aunque oficialmente se “reformó”) con el retiro del histórico Porl Thompson (se fue a tocar con Page & Plant, el sueño de todo adolescente...) y, especialmente, del baterista Boris Williams. De hecho, tras su partida quedó clara la importancia que daba éste último a la resonancia Cure más pura.
Así, el zurdo Perry Bamonte fue reconvertido en guitarrista, se recicló nuevamente a Roger O’Donnell y mediante un anuncio en el periódico se consiguió dar con el nuevo baterista, Jason Cooper.
Pero el sonido, definitivamente, había cambiado.
Con esta formación grabaron tres álbumes: Wild Mood Swings, Bloodflowers (en esta gira los vi en vivo en Barcelona. El CD no es malo, es diferente) y The Cure.
Hace poco Bamonte y O’Donnell (¡de nuevo!) anunciaron su retiro del grupo. Y no mucho después se anunció el regreso de Thompson.

Actualmente, The Cure está bastante activo con presentaciones en vivo. Pero de nuevas grabaciones nada se sabe. Y menos a qué sonido se remitirán.

Cesaria Evora Anthologie: híbrida por naturaleza

2007-07-22T09:41:00.001-04:00

¿Le gusta el fado portugués? ¿Le place la música de Brasil? ¿Siente que vibra con los ritmos centro-africanos? ¿Le gusta la mezcla de estilos sin prejuicios? Cesária Évora es, entonces, la música que le proponemos escuchar.
Nuestro personaje es como la Violeta Parra de Cabo Verde, país-archipiélago ubicado frente a las costas occidentales de Senegal y Mauritania y que se hiciese tristemente célebre muchos años atrás -durante la colonización portuguesa- como puerto de embarque para cientos de esclavos que fueron enviados a América.
Esta estratégica posición transicional en el Atlántico entre ambos continentes, sumada a los movimientos de muchos y diversos pueblos que por sus tierras circularon y habitaron marcaron a fuego la cultura de Cabo Verde, constituyendo un crisol de etnias, costumbres y manifestaciones folclóricas.
Cesária Évora (1941, São Vicente) es la hija predilecta de esta realidad. Dotada de una voz impresionante y armada de una carismática personalidad, esta intérprete (no compone sus canciones) que suele ir descalza durante sus conciertos ha llevado el nombre de Cabo Verde orgullosamente hasta los más inesperados rincones del planeta.
La antología a que hacemos referencia en esta nota recopila básicamente grandes temas a partir de los años '90, además de incorporar tres canciones inéditas (la envolvente Sodade, la levemente salsera Fala Pa Fala, y la emotiva Fidjo Maguado).
Como decíamos, en la Évora todo evoca a música de otras partes y regiones, pero con un muy sonido propio de ella y de Cabo Verde. Afirmábamos que su canto puede ser un fado, la meláncolica música propia de Lisboa. Y en este disco los ejemplos son notables, alcanzando niveles notables que en ningún caso amilanan frente a la gran Amália Rodrígues: Crespuscular Solidão, Cize (increíble, triste, hermosa!), Flor di Nha Esperanςa o Fidjo Maguado.
También están los temas que nos remiten a Brasil (o al revés, que confirman que la música brasilera aún mantiene mucho de África en estado puro) con un exquisito toque Evoriano: Carnaval de São Vicente, Esperanςa Irisada o Nho Antone Escaderode.
Las hay también las que nos remiten a Cuba (Angola, Vida Tem Um So Vida, Lua Nha Testemunha) probablemente por el recurso de los pianos, o a un sonido de corte más bien pop radial (Bondade e Maldade y Petit Pays, esta última recurrentemente programada en radio Concierto algunos años atrás).
He dejado para el final algunas de mis favoritas, que talvez nos entreguen los sonidos más puros de Cabo Verde, pero siempre dejando en claro la rica tradición de fusión cultural de dicho país: Tchintirote y Sangue de Beirona, en ambos casos recurriendo a cuerdas, clarinetes, acordeones, ritmos rápidos... pero no tanto.
En definitiva proponemos a este disco y a Cesária Évora por su amplísima riqueza sónica, su calidad interpretativa, el nivel de las canciones y un largo etcétera. La Évora no hace sino confirmar que la fusión de pueblos, el diálogo entre culturas y el conocimiento vivencial entre diferentes experiencias sólo enriquecen y aportan, en este caso, a la música.

Veinte años no es nada (1987)

2007-07-08T16:25:00.000-04:00

Uno de los mejores álbumes de todos de los tiempos (The Joshua Tree, U2) en la historia del rock & roll fue publicado en 1987, en la que habi- tualmente suele ser considerada la década más oscura de la música popular.
La verdad sea dicha es que 1987 marcó el comienzo del fin de los años '80, un periodo extraño donde el pop evolucionó hasta sus más retorcidos recursos (como el glam rock) para, a punta de videoclips, apropiarse de los rankings.
Pero la ingenuidad que marcó la música de aquellos tiempos (música básicamente para entretener, en un mundo bipolar caracterizado por la tensión Este-Oeste y la eventual debacle nuclear) ya no era tal faltando tres años para llegar a los '90. Y así fue como 1987 posicionó a los buenos grupos pop haciendo buenos -¡y muy buenos!- discos pop, así como abrió la puerta para la seriedad y circunspección rockera que marcó la primera mitad de los años '90. Adicionalmente, el bendito 1987 también fue la ocasión en que viejos dinosaurios del rock desempolvaron sus guitarras (Pink Floyd, Yes, etc.) para sacar nuevas canciones que poco tenían que ver con su historial progresivo pero que a punta de renovados sonidos les permitió mantener su sitial en el panorama del rock.
Para ser honesto, la mayoría de los discos que a continuación mencionaré no los tomé demasiado en cuenta por aquellos años. Embobado por The Cure (mi primer vicio musical), poco espacio dejaba para otro tipo música. Pero ya transcurridos 20 años... ¡qué bien se dejan escuchar estas producciones! ¡Qué buena evolución han tenido los álbumes!
A diferencia de los años '70, los años ochenta no fueron una era grandilocuente de magnos mensajes. Consecuente con lo anterior, los discos de aquellos años no eran inmensas obras intelectualmente dramáticas. Todo lo contrario, sólo canciones, melodías fácilmente recordables y cantables. Pero,un poco por lo mismo, ¡qué buenas canciones en 1987!
Para aquellos que hoy por poco superan los 30, este año sin duda proveyó un conjunto de memorables temas que hasta el día de hoy pueden se considerados como parte del soundtrack interno que cada uno lleva.
Pero basta ya de tanto bla bla y recordemos algunos de los discos de 1987.

A Momentary Lapse of Reason - Pink Floyd
Big Generator - Yes
Hold Your Fire - Rush
So - Peter Gabriel (en realidad es de 1986, pero fue difudido durante 1987)
The Joshua Tree - U2
Kiss me, Kiss me, Kiss me - The Cure
Music for the Masses - Depeche Mode
Tango in the Night - Fleetwood Mac
Nothing Like the Sun - Sting
Hysteria - Def Leppard
Appettite for Destruction - Guns n' Roses
Kick - INXS
Actually - Pet Shop Boys
Parte de la Religión - Charly García (también en el Cono Sur...)

Never Mind The Bolloks Here's The Sex Pistols: no hay futuro, no hay futuro

2007-02-18T12:14:00.001-03:00

Los conocía de bastante pequeño, pero no tuve un contacto más cercano con los Sex Pistols hasta 1991 cuando un amigo me regaló cassette copiado -obvio, en aquel tiempo- que traía por el otro lado las Cuatro Estaciones, de Vivaldi, mezcla llamativa que al final del día, aunque no se crea, sonaba de lo más bien.
Años más tarde (1999) compré la versión original en una visita flash a Andorra (el pequeño país tax free en plenos Pirineos), en unas ofertas que resultaban un regalo.
Vi a los Sex Pistols en el Teatro Monumental en 1996, a donde fuimos con el buen amigo Jerónimo. Tras casi 20 años la banda se había reunido con el único objetivo de lucrar, de hecho así lo mencionaban sin ningún tipo de vergüenza en el título de la gira. El concierto estuvo notable, debe haber durado como una hora, y algo que hasta hoy recuerdo con fuerza era que la gran masa gritaba tántricamente "¡¡Anarquía!! ¡¡Anarquía!!". Por supuesto, nosotros también nos sumábamos a los llamados a la anarquía, aunque íbamos vestidos de jeans y más "formales" que la mayoría de la audiencia que iba de riguroso negro.
Unos de los aspectos interesantes en la música punk es cómo rescata tan radicalmente los principios fundadores del rock. De hecho, en el punk hay una ética muy fuerte, tanto en lo que se dice y en cómo se interpreta la música: desde la furia, desde la frustración, desde la rabia, desde la guata. Sin filtro. En este contexto, la canción "God save the Queen" resulta un verdadero himno en la historia de la música popular del siglo XX, con su enérgica proclama que repite sin cesar "no future, no future".
Otro "himno" de esta época -y con esta ética- podría ser "London Calling" de The Clash, canción que recientemente empiezo a mirar -o escuchar- con otra perspectiva.
Como se sabe, la historia de los Sex Pistols fue más que breve. Un rápido destello de creación, liberación y entrega marcada por la genialidad y carácter de los Pistols, que supera por lejos el nulo virtuosismo de sus músicos. Lo anterior reafirma que para ser un gran rockero, no es necesario ser un talentoso sino tener las ideas claras y la voluntad de expresarse.
Muchos años después el guitarrista Steve Jones formó la superbanda (concepto que se refiere a constelación de estrellas reunidos, como Asia) Neurotic Outsiders, donde él mismo cantaba (con carácter más esfuerzo que habilidad) con John Taylor (bajista de Duran Duran), y los ex Guns 'n Roses Duff McKagan y Matt Sorum (bajo y batería, respectivamente). La banda tuvo una brevísima existencia. Por cierto, la canción Jerk era bastante aceptable, y más que eso.

Holy Wood: luminosa oscuridad de Mr. Manson

2007-02-18T12:14:00.000-03:00

Este es el mejor disco en la carrera de Marilyn Manson, la banda de rock industrial liderada por Brian Warner (verdadero nombre de Manson) que nació al alero de las influencias (e intensa producción) de Trent Reznor y sus secuaces (como el multi-instrumentista Danny Lohner).
Explicaremos por qué éste es el mejor, aún cuando la banda tiene otros muy buenos en su trayectoria.
Un hito en su carrera fue Antichrist Superstar, gran presentación, pero que fue prácticamente armado por nuestro conocido Reznor... Fue, en los hechos, casi un disco de él, interpretado por Marilyn Manson (lo cual también puede relativizarse, dada la alta participación instrumental del mismo Reznor, Lohner o el baterista Chris Vrenna).
El disco siguiente, Mechanical Animals, fue una transición. Marcó la salida de Zim Zum y la entrada incidental de John 5 en las guitarras, aunque la mayor parte de las cuerdas fueron interpretadas por Twiggy Ramírez. Disco bueno, con guiños al rock glam de los '80, pero con algunos puntos bajos que no dejaron mostrar todo el potencial del grupo.
Al momento de comenzar a producir Holy Wood (in the shadow of the valley of the death), la banda finalmente había encotrado una identidad propia y una fuerte estabilidad en el rol de sus integrantes: Marilyn Manson (voz), Twiggy Ramírez (bajo), John 5 (guitarras), M.W. Gacy (teclados) y Ginger Fish (batería).Tuve la oportunidad de verlos en vivo en Barcelona durante la temporada 2001 en el marco de la gira de este LP. La solidez musical y escénica fue innegable en aquella jornada en la Vall d'Hebrón (donde las líneas de coca corrían fuerte y sin descaro en los pasillos) donde el conjunto mostró plena madurez.
Holy Wood presenta un puñado de muy buenas canciones (prácticamente todas). En lo personal, The Fight Song es mi tema favorito en toda la historia del grupo. Sencillo, directo, potente, con notas a post-punk, rock de pura cepa. Con cierta influencia hard-funky, The Death Song también es una gran canción. Valentine's Day, notablemente épica, evocadora. King Kill 33º, de gran base rítimica que combina a la perfección con la distorsionada voz de Manson. Y podríamos seguir. Realmente el LP presenta muy logradas entregas.
Pero además, este disco tiene el mérito de ser conceptual, estructurándose en cuatro secciones que van dejando entrever obsesiones de Manson tales como la muerte, la religión, los revólveres, o Kennedy, entre otras.
La primera parte se llama In the shadow, e incluye un comienzo de aires góticos (I Godeatgod), junto con II The Love Song, III The Fight Song y IV Disposable Teens (primer single, que por cierto, se utiliza como música de continuidad en CQC).
La segunda sección lleva como nombre The androgyne, y se compone de V Target Audiencie (Narcissus Narcosis), VI "President Dead" (Kennedy aparece y reaparece...), VII In The Shadow of Valley of Death, VIII Cruci-Fiction in Space y IX A Place In Dirt.
Of red earth es la tercera parte, integrada por X The Nobodies, XI The Death Song, XII Lamb Of God, XIII Born Again y XIV Burning Flag.
Finalmente el LP es concluido con The fallen, que incluye XV Coma Black a) eden eye b) the apple of discord, XVI Valentine's Day, XVII The Fall Of Adam, XVIII King Kill 33º, XIX Count To Six And Die (the vaccuum of infinite encompassign), esta última sugerente y suave melodía acompañada de pianos y revólveres, con la tántrica repetición one, two... six.
Tras terminar este periodo, Twiggy Ramírez (verdadero motor musical de la banda y suerte de alter ego de Mr. Manson) abandonó la banda, nunca he sabido por qué.
La siguiente entrega y último álbum de Marilyn Manson hasta la fecha fue el extraño (y poco difundido-vendido), The Golden Age of Grothesque, donde el mismo Warner declaró que quería ser menos serio y dedicarse al humor.

On An Island: no estaba muerto...

2006-11-26T18:53:00.000-03:00

David Gilmour, guitarrista, voz, co-compositor y alma en Pink Floyd. On An Island (2006) es su tercera oportunidad trabajando como solista. Los anteriores fueron David Gilmour (1978) y About Face (1984).
Una aclaración: este álbum no es Pink Floyd. Pero es total, completa e innegablemente floydiano. Y no sólo por su autor. Veamos parte de la estela de músicos que participaron en la producción:
- el tecladista Rick Wright (naturalmente, histórico de Pink Floyd).
- el bajista Guy Pratt, que desde 1987 viene tocando con Pink Floyd.
- el tecladista Joe Carin, colaborador permanente de Pink Floyd a partir de 1987 y en temporadas más recientes -y en simultáneo- de Roger Waters.
- el baterista Andy Newmark, que en 1983 había grabado Two suns in the sunset en The Final Cut en lugar de Nick Mason (nunca he podido averiguar la razón). Nota aparte: Newmark grabó las baterías para More than this, de Roxy Music, en 1983.
- el guitarrista y productor (y cerebro de Roxy Music) Phil Manzanera, amigo y colaborador de Gilmour ya sea como solista o en Pink Floyd (co-escribió One slip en A Momentary Lapse of Reason, 1987).
- el guitarrista Rado Klose, filo-Pink Floyd durante la era Syd Barrett.
Y así...
La verdad de las cosas, este álbum es la cotinuación lógica y estética de The Division Bell (Pink Floyd, 1994), donde Gilmour llevó el liderazgo creativo de la mano de Rick Wright. Evidentemente ya han pasado varios años desde esta publicación y en este periodo se especuló mucho sobre el futuro de la banda, sobre disoluciones y reunificaciones (con actuación en Live 8, Waters incluido, de por medio).
Finalmente Gilmour optó por el camino solitario. Buena decisión. Si bien The Division Bell fue un gran álbum, el repertorio en vivo de dicha gira (plasmado en el CD doble P.U.L.S.E.) hizo evidente que llevar el nombre de Pink Floyd obliga a respetar ciertos códigos ya consagrados, fuertemente estructurados, restando frescura y experimentación al resultado final. Y eso último, precisamente, fue la que llevó a los altares a la muy británica banda.
En este caso Gilmour jugó con el riesgo de trabajar libremente. Obvio, tiene sónidos muy muy floydianos, con guiños a los años '70. On An Island (con los coros de David Crosby y Graham Nash) y Smile son dos ejemplos y puntos altos del álbum. Y si se me permite un comentario personalísimo, dos de las mejores canciones que he escuchado este año.
Pero el músico originario de Cambridge también se da el lujo de probar con el blues (This heaven) y salir más que airoso (¿Desde Seamus en Meedle que Gilmour no tocaba blues en forma tan descarnada?). O dejar la guitarra que lo ha hecho célebre para mandarse un meláncolico giro instrumental de saxo (Red sky at night).
Completan la producción la instrumental apertura de Castellorizon (muy a lo Shine on you crazy diamond e inspirada en la mediterránea isla griega de Kastellórizon en el Mar Egeo), The Blue (suave, melódica, atmósferica), Take a breath (rockera, pero no tanto), Then I close my eyes (casi country en el inicio, luego muy Gilmour al estilo More, Obscured by Clouds o algunas canciones de Meedle), A pocketful of stones (fílmica), y el cierre de Where we start (con fuertes guiños, una vez más, a los '70).
No estaba muerto, andaba de parranda... dice la popular canción. He tenido la oportunidad de ver videos de la gira solista de este álbum (donde Gilmour está acompañado de Wright, Manzanera, Pratt, Carin, etc.) y, la verdad sea dicha, sus más de 60 años no cuentan. Sigue derrochando talento, la voz suave y dulce sigue presente, y las guitarras que lo hicieron famoso aún están derrochan personalidad y en madura forma.

Y, finalmente, se ve que Gilmour lo está pasando bien. Bien por él, bien por todos nosotros.

Velvet Goldmine: laboratorio del paraíso glam

2006-11-19T21:07:00.000-03:00

Velvet Goldmine (Todd Haynes, 1998) fue definido en su oportunidad como el filme inde- pendiente de más alto presupuesto.
Tuve la oportunidad de ver la película en 1999 en los cines Icària de Barcelona. Brevemente -no es finalidad de este espacio referirse a cinematografía- narra en clave videoclip la vida y obra de un rockstar llamado Brian Slade junto con repasar el movimiento glam de los '70 (con abundante androginia de por medio). Protagonista de esta obra fue el irlandés Jonathan Rhys Meyers, quien este año se hizo célebre como principal actor de Match Point (de Woody Allen).
Como se podrá imaginar, en esta crónica nos referiremos al Music From the Original Motion Picture Velvet Goldmine.
Como concepto global, las 19 canciones que componen el CD son de gran factura, pasando por temas y grupos de aquellos años (Roxy Music, Brian Eno, Lou Reed, etc), covers de aquellos tiempos, grupos actuales inspirados en el glam y la participación de dos bandas virtuales creadas especialmente para la ocasión:

The Venus in Furs: Bernard Buttler, Clune, Jon Greenwood, Paul Kimble, Andy Mackay y Thom Yorke (¡Sí, Thom Yorke! de Radiohead)
Wylde Rattz: Mark Arm, Ron Asheton, Jim Dunbar, Don Fleming, Thurston Moore, Steve Shelley y Mike Watt.

El objetivo de LP es crear una postal fotográfica del glam, recurriendo a las fuentes documentales (los sonidos originales) así a como elaboraciones alegóricas (las bandas virtuales), siendo como unidad, una suerte de laboratorio experimental donde se recrea el ecosistema sónico de los '70. Y este CD, producido por el mismo Todd Haynes, Randall Poster y Michel Stipe (R.E.M), aprueba el examen.
El álbum comienza fuerte con Brian Eno (aunque sigue sonando muy Roxy Music aún) interpretando Needle in the camel's eye. El segundo tema es un sentido y levemente épico Hot one (de Shudder to Think). La tercera canción es de Placebo (gracias a este álbum los conocí) cantando una muy rocanrolera 20th century boy.
La banda virtual The Venus in Furs entra por primera vez en el cuarto tema, 2HB, con un inspirado Thom Yorke emulando la voz de Brian Ferry.
La otra banda virtual, Wylde Rattz, entra en el quinto tema, T.V. Eye, duro, rockero, donde las voces son puestas por el actor Ewan McGregor.
No mencionaremos las 19 canciones de este álbum, que pasa de lo atmosférico a lo semiacústico, nunca olvidando guitarras y teclados, base del glam y fundamento del New Wave de los '80.
Pero quisiéramos mencionar algunos puntos altos como We are the boys (Pulp), Virginia plain (Roxy Music), Satellite of love (Lou Reed), o Baby's on fire, de Brian Eno e interpretada por The Venus in Furs con la vocalización del propio Jonathan Rhys Meyers. Este último tema, en mi opinión, es el punto más alto de toda esta producción.
Velvet Goldmine se despide con una melacólica y orquestada Tumbling down (de nuevo Venus in Furs más Rhys Meyers) y la folk y simpaticona Make Me Smile (Come Up and see me) de Steve Harley, ideal para la secuencia de los créditos finales de la película.
En síntesis, un álbum recomendable, fuerte, bien compuesto y que sirve para aquellos melacólicos de los '70 que no fueron hippies, sino que los antepasados del fashion actual.

Drama: la bizarra transición de Yes

2006-11-14T19:33:00.000-03:00

Parte de la historia ha intentado demonizar a Trevor Rabin (sudafricano de origen, californiano por adopción, guitarrista y multi-instrumentista por vocación) por su supuesto acarreamiento de Yes de los caminos progresivos a la cómoda casa del pop.
Esta crónica intentará demostrar que esta afirmación no es del todo cierta y que, más bien, se ajusta muy poco a la realidad.
Tras la edición de Tormato (1978) el vocalista Jon Anderson y tecladista Rick Wakeman abandonaron la banda, permanenciendo el guitarrista Steve Howe, el baterista Alan White y el bajista Chris Squire. Se acababa la formación clásica del grupo.
En paralelo, hacia fines de 1979 una banda conocida con The Buggles lanzaba su hit Video killed the radio star, un clásico de la música pop a estas alturas. Buggles estaba liderado por Trevor Horn (voz, guitarras, bajo) y Geoff Downes (teclados), quienes editaron su álbum The Age of Plastic en 1980, dónde aparecía el mencionado sencillo. El mismo año, Horn y Downes comenzaron a trabajar en un segundo LP, mientras en el estudio contiguo Yes (sin Anderson ni Wakeman) grababa su producción Drama. Ambos fueron invitados a integrarse al conjunto, en lo que puede denominarse como -por lejos- la formación más extraña que ha tenido la banda y que sólo tenía a Chris Squire como integrante original.
Respecto de Drama, no es malo, por el contrario, tiene bastantes aciertos y un sónido completamente renovado respecto de sus anteriores producciones. Los '80 ya asoman fuerte (sin un Anderson hablando de paraísos y ángeles, tenemos a un Horn que se refiere a autos y cámaras),y temas como Does it really happen?, Run through the light o inclusive Tempus Fugit pueden considerarse como válidos antecedentes sónicos del masivo 90125 (de 1983).
Adicionalmente, el álbum comienza con la épica Machine messiah que podría incluirse dentro de las más selectas canciones de Yes.
Ahora, la historia ha señalado que el ambiente al interior del grupo no estaba del todo claro y, tras una breve gira de presentación del disco que no duró más de un mes, por primera vez Yes se desintegra.
Tras esta ruptura, Trevor Horn continuó -inmediatamente- trabajando en la segunda producción de The Buggles, pero sin Downes quien dejó al grupo para unirse a Asia junto con el ex-Yes, Steve Howe. Nota especial es que este álbum incluyó la canción I am a Camera, una versión alternativa de Into the Lens de Drama.
También se debe mencionar que Trevor Horn siguió siendo productor de Yes durante el resto de los años '80 (90125 y Big Generator)
¿Sigue Rabin siendo el villano del pop?
Mi planteamiento es que el verdadero responsable fue el hombre fuerte de Yes, el bajista Chris Squire, quien permitió y fomentó este giro a partir del reformado grupo que en 1983 incorporó a Rabin, y reclutó nuevamente en sus filas a Jon Anderson y Tony Kaye (quien fuera tecladista de Yes en sus inicios).
En todo caso, en otra oportunidad nos referiremos a 90125.

Jar of Flies: casi el canto del cisne

2006-11-04T09:26:00.000-03:00

Nos encon- tramos en 1992, ya ha explotado el grunge de la mano de Nirvana y Pearl Jam. Poco a poco se empie- za a escuchar de nuevas bandas que vienen de Seattle. Vamos en auto con un compañero de universidad, quien lleva un cassette (esta vez, original) de Alice in Chains, llamado Dirt. Su explicación es simple: "Son más duros que el resto. Se drogan -y mucho- y componen sus canciones cuando están en los bajones más fuertes".
Así conocí a este grupo bastante notable con sólo dos EPs y tres LPs y que, sin embargo, acreditan una consistencia que consagra su sitial en la historia del rock.
Si bien Facelift (1990)fue su primera producción, Dirt (1992) fue la producción que los consagró. Formados originalmente por Layne Staley (voz), Jerry Cantrell (guitarra, voces y cerebro de la banda), Sean Kinney (batería), tuvieron como primer bajista a Mike Starr, quien fue reemplazado por Mike Inez después de la temporada de Dirt. Inez había colaborado anteriormente con Ozzy Osbourne y años más tarde fue sondeado por Metallica para cubrir el puesto dejado por Jason Newsted, aunque esto nunca se materializó.
Jar of Flies es una verdadera curiosidad -y joya- en la carrera de Alice in Chains. Fue compuesto, escrito y grabado en 7 días, entre el 7 y el 14 de septiembre de 1993, a razón de una canción diaria. De allí, lógicamente, el número de temas incluidos en el álbum.
Conocí esta producción gracias a la nunca bien ponderada MTV. Fue el videoclip de I stay away mi debut con esa estética (incluyendo animaciones de plastilina), que al contrario de la fuerza que había traído Dirt (incluyendo la breve colaboración de mi compatriota Tom Araya, vocalista de Slayer), mezclaba un sónido muy acústico, armonías vocales muy bien armadas e, incluso, un juego de cuerdas.
El inicio del álbum es brillante y oscuro. Rotten apple (Vaya nombre... al igual que el título del CD) comienza con una suave e hipnótica base que nunca he tenido claro si es un bajo o una guitarra acústica. La suavidad se mantiene con lo juegos vocales de Staley y Cantrell haciéndose cómplices en sus hey na na, que de sólo escucharlos uno piensa "estos tipos cantan bien, pero muy triste".
La continuación también es muy acústica, Staley sigue cantando suave, y Cantrell incorpora suaves slides. Hasta el momento no hemos señalado que la batería de Kinney no se hace notar, lo cual es lo más notable, porque es el acompamiento ideal, seco y austero para este tipo de música. Inez también se acopla eficientemente.
La tercera canción es la mencionada I stay away. Engañosa resulta, parte casi como un mensaje positivo, pero debe ser de los momentos más oscuros del álbum.
No excuses es el único "rápido" tema del álbum. Pero tampoco tanto. Y permite el lucimiento de Inez en el bajo que casi como un mantra se va mezclando con los redobles de Kinney. Esta fue la segunda canción que tuvo repercusión radial de Jar of Flies.
Continúa la instrumental Whale&wasp (buena combinación de guitarra acústica, slides y cellos). Le sigue la muy folk Don't follow(armónicas country de por medio), y se concluye con la bluesera y a momentos jazzística Swing on this.
Dado el ajetreo que llevaban los Alice in Chains y la alta lírica lograda en esta producción, muchos creyeron que eran los últimos momentos de la banda. No fue así. En 1995 nos sorprendieron gratamente con el consistente Alice in Chains (otra portada memorable) para luego dar una sólida presentación en MTV Unplugged, que adquirió forma de LP.
Despúes los integrantes se dedicaron a una serie de proyectos individuales y poco más se supo de Alice in Chains, hasta que un titular de un diario en 2002 me impactó profundamente: Layne Staley había sido encontrado muerto en su casa, varios días después de su fallecimiento y casi en estado de descomposición.

Celebrity Skin: el lado femenino de Billy Corgan

2006-11-01T10:52:00.000-03:00

Cuando recién vivía en Barcelona a partir de 1998 no sabía bien qué radios escuchar. Deambulé por varias, recuerdo nombres como Los 40 Principales o RAC 105. Pero eso no es relevante.
Dentro de ese periodo de a poco empecé a escuchar una canción cuya melodía empezó a obsesionarme. Se trataba de Malibú, de Hole.
Hasta entonces Hole era una banda bastante mediocre que había parasitado fama merced a la viudez de Courtney Love de Court Cobain y a los últimos ecos de un trasnochado post-grunge.
Pero para la grabación de Celebrity Skin, Hole se había concertado creativamente con Billy Corgan, quien por entonces vivía su apogeo creativo de la mano de Smashing Pumpkins.
Según se comentó en la prensa de entonces, el ambiente en el estudio no podía haber sido peor. Love y Corgan, de quienes incluso se dijo que habían sido amantes, habían terminado poco menos que a patadas. Corgan finalmente fue alejado de su rol de productor y en los créditos del álbum sólo apareció (a mi parecer, injustamente) sólo como co-compositor de las canciones.
La historia del rock nos enseña que cuando hay tensión y violencia en el estudio de grabación, los álbumes salen buenos. Y éste es muy bueno.
En aquellos días en Barcelona no tenía demasiado dinero: ya se sabe, la vida del estudiante es marcada por la austeridad. No obstante, influenciado por mi histórica melomanía, pasaba bastante a menudo por la grandiosa tienda de varios pisos de discos, libros y otras cosas, FNAC, frente a la Plaça Catalunya. La compra del CD era un gasto prohibitivo y probablemente esto exacerbó mi interés por el disco (la portada en blanco y negro se conviritió en objeto de deseo). Hasta que un día me dio lo mismo y lo compré no más: decidí que caminaría más para equilibrar los gastos, dejando de lado la comodidad del metro o los buses.
Se nota que Billy Corgan le sacó trote a Courtney Love para esta grabación. Incluso, a momentos pareciera que canta casi bien, sacando una voz suave, afinada y melodiosa.
Por otra parte, la banda cumple su función en forma más que eficiente, sabiendo cuando ser amónicos y cuando justamente desequilibrados. La formación de Hole para este álbum incluyó a la mencionada Love, Eric Erlandson, Patty Schemel y Melissa Auf Der Maur. Esta última, bajista de ocupación y canadiense de origen, fue posteriormente reclutada por Billy Corgan para la última etapa de Smashing Pumpkins.
Respecto del álbum en sí, podríamos decir que está estructuado en tres secciones.
La primera, la de las canciones oreja, pegajosas, con justas dosis de pop, folk y un poquito de rabia post-grunge. El disco parte con la canción Celebrity skin (¡que novelezco nombre!) que da título al álbum, continúa con Awful, Hit so hard, llega a la hermosa Malibú (tomar especial atención con la letra y con los devaneos vocales de Love antes de los estribillos), y concluye con la rockera Reasons to be beautiful, la cual en su final adquiera un matiz mucho más suave.
Como continuación de la anterior, viene Dying. Ya estamos en la segunda sección del álbum que justamente se centra en canciones lentas, casi baladas. Ésta se prolonga hasta la fogatera Northern Star, eso sí intercalando una fuerte Use once & destroy (escuchar con atención los bajos).
La velocidad vuelve con Boys on the radio (muy al estilo Malibú), continúa con una abarrocada sección de cuerdas en Heaven Tonight, y se vuelve furiosa en Playing your song, muy nirvanezca y con una batería que podría haber interpretado el mismo Dave Grohl. Sin duda, éste es uno de los puntos altos del álbum, el cual acaba con una oscura y muy al estilo Cure, Petals.
¿Qué pasó con Hole después de Celebrity Skin?
Poco, la verdad. Sin el apoyo de Billy Corgan, Courney Love fue de a poco dejando la música, le dedicó más tiempo a su triste carrera cinematográfica e, incluso, se dedicó a hacer de modelo para tiendas del estilo Dolce&Gabanna. Qué horror.

Atom Heart Mother: el bastardo hijo de Pink

2006-10-26T08:42:00.000-03:00

La primera vez que escuché este álbum de Pink Floyd fue en 1990, veinte años después de su grabación original. Fue un compañero de clase quien me prestó el cassette (sí, el cassette), el cual yo copié junto con hacer una fotocopia de la portada donde pinté con lápices de grafito tratando de emular los colores originales de la portada. Patético. La semana pasada en Viña del Mar pasé frente a una disquería y vi que tenían el CD a un precio más que conveniente, así que sin pensarlo demasiado, entré y lo compré. Y desde entonces he estado revisitando esta producción.
Lo primero que me llamó la atención de este nuevo acercamiento a Atom Heart Mother es el orden en cómo vienen los temas. En el CD parten con la larga suite que da título al álbum, para continuar con las canciones cortas (If, Summer '68, Fat old sun) y concluir con el experimental Alan's Psychedelic Breakfast.
Con otra cadencia, mi antiguo cassette partía con las canciones, seguía con el desayuno de Alan, y concluía con la bovina suite. Nota especial era que por alguna inexplicable razón, If aparecía tanto en la cara A como en la B.
Al escuchar con cierta perspectiva este álbum podemos decir que es el único sinfónico en la trayectoria de Pink Floyd, en el sentido de incorporar sonidos orquestales a la par de la música experimental y rock. Diez años después en The Wall y -especialmente- en The Final Cut, Pink volvió a recurrir a apoyo de orquestas, pero con un sonido completamente diferente que respondía más bien a los delirios de un Roger Waters ya casi solista, y con fuerte influencia del folk.
Atom Heart Mother nació en un momento en que Pink Floyd buscaba su identidad.
Sus dos primeros álbumes (The piper at the gates of dawn y A saucerful of secrets) corresponden a vómitos de sicodelia marcados por la creadora fuerza constructiva -y destructiva, a la vez- del ya fallecido Syd Barrett.
Muy en línea con lo anterior, pero ya sin la presencia de Barrett y con David Glimour en pleno en la banda, fueron las experiencias de crear la música para las películas More y Zabriskie Point.
La etapa concluyó con el álbum doble Ummagumma, donde la primera mitad corresponde a registros en vivo de su temporada sicodélica, y la segunda, a recraciones individuales y muy experimentales de sus cuatro integrantes: Waters, Gilmour, Wright y Mason (en mi opinión, las más acertadas fueron las de Glimour en cuanto a su proyección de identidad).
Pero el fantasma ed Barrett seguía presente. En verdad, nunca se ausentaría.
La necesidad de buscar un sonido propio y original hacia el futuro se hacía más que evidente y es, en este contexto, cuando Pink Floyd compone esta suite instrumental de 21 minutos llamada Atom Heart Mother, recurriendo al apoyo de la Abbey Road Session Pops Orchestra y del John Aldis Choir. El resultado es una pieza que parece más música clásica que de Pink Floyd, aunque ya se advierten rasgos que a larga marcarán el destino de la banda (los atmosféricos slides de Gilmour...).
El álbum continúa con piezas compuestas en solitario como If (Waters), la cálida Summer '68 (Wright) y la hermosa melodía de Fat old sun (Gilmour). Finalmente, y como ya dijimos, se concluye con la ya dicha experimental -y grupal- Alan's Psychedelic Breakfast.
Pese a que uno advierte que los mayores esfuerzos y disciplina creativa se pusieron en la larga suite de apertura, es fácil darse cuenta de que el ADN floydiano fluía más libremente por la segunda mitad, con canciones más a escala humana.
La siguiente experiencia en estudio de Pink Floyd fue Meedle, donde la primera mitad son canciones, y la segunda -nuevamente- una larga suite llamada Echoes. Pero de orquestas sinfónicas, nada.
A partir de entonces empezó a configurarse la etapa floydiana con su sonido más característico, dejando atrás como una suerte de hijo natural la experiencia de Atom Heart Mother. Pero no puede olvidarse que muchas veces, sino las más, los hijos naturales son los que tienen las relaciones más intensas y particulares con sus padres.